Fotografija: ljubaznošću Naturhistorisches Museum

Naša skulptura u povijesti umjetnosti, ova sićušna figurica visine nešto više od četiri inča otkrivena je u Austriji 1908. Nitko ne zna kojoj je funkciji služila, ali nagađanja se kreću od božice plodnosti do pomoći pri masturbaciji. Neki znanstvenici sugeriraju da je to možda bio autoportret žene. To je najpoznatiji od mnogih takvih predmeta koji datiraju iz starijeg kamenog doba.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ovaj je portret bio simbol ženske ljepote otkad je prvi put iskopan 1912. godine unutar ruševina Amarne, glavnog grada koji je sagradio najkontroverzniji faraon staroegipatske povijesti: Akhenaton. Život njegove kraljice, Nefertiti, pomalo je misteriozan: smatra se da je neko vrijeme nakon Ehnatonove smrti vladala kao faraon - ili što je vjerojatnije, kao suvladarica dječaka kralja Tutankamona. Neki egiptolozi vjeruju da je ona zapravo bila Tutova majka. Smatra se da je ova bista od vapnenca obložena štukaturom djelo ruku Tutmozisa, Akhenatonovog dvorskog kipara.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Otkrivena 1974. godine, Armija od terakote golema je zaliha glinenih kipova zakopanih u tri ogromne jame u blizini grobnice Shi Huanga, prvog kineskog cara, koji je umro 210. pr. Namijenjena da ga zaštiti u zagrobnom životu, vjeruje se da vojska prema nekim procjenama broji više od 8000 vojnika zajedno sa 670 konja i 130 bojnih kola. Svaki je u prirodnoj veličini, iako stvarna visina varira ovisno o vojnom činu.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wiki Media/LivioAndronico

Možda najpoznatija skulptura rimske antike,Laokoon i njegovi sinoviizvorno je iskopan u Rimu 1506. i premješten u Vatikan, gdje se nalazi do danas. Temelji se na mitu o trojanskom svećeniku kojeg su zajedno sa svojim sinovima ubile morske zmije koje je poslao bog mora Posejdon kao odmazdu za Laocoönov pokušaj da razotkrije prijevaru Trojanskog konja. Izvorno postavljena u palači cara Tita, ova figurativna skupina u prirodnoj veličini, pripisana triju grčkih kipara s otoka Rodosa, nema premca kao studija ljudske patnje.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Jedno od najslikovitijih djela u cijeloj povijesti umjetnosti, Michelangelov David, potječe iz većeg projekta ukrašavanja podupirača velike firentinske katedrale, Duoma, sa skupinom figura preuzetih iz Starog zavjeta. TheDavidbio je jedan, a zapravo ga je 1464. započeo Agostino di Duccio. Tijekom sljedeće dvije godine, Agostino je uspio grubo obraditi dio ogromnog bloka mramora isklesanog iz poznatog kamenoloma u Carrari prije nego što je stao 1466. (Nitko ne zna zašto.) Drugi je umjetnik pokupio zapuštenost, ali i on je samo kratko radio na tome. Mramor je ostao nedirnut sljedećih 25 godina, sve dok ga Michelangelo nije nastavio klesati 1501. godine. Tada je imao 26 godina. Kad je bio gotov, David je težio šest tona, što znači da se nije mogao podići na krov katedrale. Umjesto toga, bila je izložena ispred ulaza u Palazzo Vecchio, firentinsku gradsku vijećnicu. Figura, jedna od najčišćih destilacija stila visoke renesanse, odmah je prigrljena od strane firentinske javnosti kao simbol vlastitog otpora grada-države protiv sila koje su se protiv njega okupile. Godine 1873.,Davidpreseljena je u Galeriju Accademia, a replika je postavljena na izvorno mjesto.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Priznat kao začetnik stila visokog rimskog baroka, Gian Lorenzo Bernini stvorio je ovo remek-djelo za kapelu u crkvi Santa Maria della Vittoria. Barok je bio neraskidivo povezan s protureformacijom kroz koju je Katolička crkva pokušala zaustaviti plimu protestantizma koja je zahvatila Europu 17. stoljeća. Umjetnička djela poput Berninijevih bila su dio programa reafirmacije papinske dogme, čemu je ovdje dobro poslužio Berninijev genij za prožimanje religioznih scena dramatičnim narativima.Ekstazaje primjer za to: predmet – Sveta Terezija Avilska, španjolska karmelićanska redovnica i mističarka koja je pisala o svom susretu s anđelom – prikazana je upravo dok se anđeo sprema zarijeti strijelu u njezino srce.EkstazaErotski prizvuci su nepogrešivi, najočitije u orgazmičkom izrazu časne sestre i uvijajućoj tkanini koja obavija obje figure. Arhitekt kao i umjetnik, Bernini je dizajnirao i postav kapele u mramoru, štukaturama i bojama.

Fotografija: ljubaznošću Muzeja umjetnosti Metropolitan/Fonda Fletcher

Talijanski umjetnik Antonio Canova (1757–1822) smatra se najvećim kiparom 18. stoljeća. Njegov je rad utjelovio neoklasični stil, kao što možete vidjeti u njegovoj izvedbi u mramoru grčkog mitskog junaka Perzeja. Canova je zapravo napravio dvije verzije djela: jedna se nalazi u Vatikanu u Rimu, dok druga stoji u Europskom dvoru za skulpture Muzeja umjetnosti Metropolitan.

Fotografija: Muzej umjetnosti Metropolitan

Iako je impresionistički majstor Edgar Degas najpoznatiji kao slikar, bavio se i kiparstvom, ostvarivši nedvojbeno najradikalniji pokušaj u svom opusu. Degas je oblikovaoMala četrnaestogodišnja plesačicaod voska (od kojeg su naknadno izlivene brončane kopije nakon njegove smrti 1917.), ali činjenica da je Degas svoju istoimenu osobu odjenuo u pravi baletni kostim (zajedno s prslukom, tutom i papučama) i perikom od prave kose izazvala je senzaciju kadaPlesačdebitirao je na Šestoj impresionističkoj izložbi 1881. u Parizu. Degas je odlučio pokriti većinu svojih ukrasa voskom kako bi odgovarali ostalim crtama lica djevojke, ali je zadržao tutu, kao i vrpcu za vezanje njezine kose, kakvi su bili, čineći figuru jednim od prvih primjera pronađenog predmeta umjetnost.Plesačbila je jedina skulptura koju je Degas izložio za života; nakon njegove smrti, pronađeno je još oko 156 primjeraka kako čame u njegovu ateljeu.

Fotografija: ljubaznošću Philadelphia Museum of Art

Dok većina ljudi povezuje velikog francuskog kipara Augustea RodinaMislilac, ovaj ansambl u spomen na incident tijekom Stogodišnjeg rata (1337. – 1453.) između Britanije i Francuske važniji je za povijest kiparstva. Naručen za park u gradu Calaisu (gdje je jednogodišnja opsada Engleza 1346. prekinuta kada se šest gradskih starješina ponudilo na pogubljenje u zamjenu za poštedu stanovništva),Burgeroviizbjegavao je format tipičan za spomenike u to vrijeme: umjesto figura izoliranih ili nagomilanih u piramidu na vrhu visokog pijedestala, Rodin je sastavljao svoje subjekte u prirodnoj veličini izravno na tlu, u razini s promatračem. Ovaj radikalni pomak prema realizmu raskinuo je s herojskim tretmanom koji se obično pridavao takvim radovima na otvorenom. SBurgerovi, Rodin je napravio jedan od prvih koraka prema modernoj skulpturi.

Fotografija: ljubaznošću CC/Flickr/Wally Gobetz

Godine 1912. Picasso je izradio kartonsku maketu od djela koje će imati ogroman utjecaj na umjetnost 20. stoljeća. Također u kolekciji MoMA-e, prikazivao je gitaru, temu koju je Picasso često istraživao u slikanju i kolažu, a u mnogim aspektima,Gitaraprenijela tehnike izrezivanja i lijepljenja kolaža iz dvije dimenzije u tri. Isto je učinio i za kubizam, sastavljanjem ravnih oblika kako bi se stvorio višestruki oblik s dubinom i volumenom. Picassova inovacija bila je izbjeći konvencionalno klesanje i modeliranje skulpture od čvrste mase. umjesto toga,Gitarabio je spojen poput strukture. Ova bi ideja odjekivala od ruskog konstruktivizma do minimalizma i šire. Dvije godine nakon izradeGitarau kartonu, Picasso je napravio ovu verziju u izrezanom limu

Fotografija: Muzej umjetnosti Metropolitan

Od svojih radikalnih početaka do svoje konačne fašističke inkarnacije, talijanski futurizam šokirao je svijet, ali niti jedno djelo nije oslikavalo pravi delirij pokreta kao ova skulptura jednog od njegovih vodećih svjetala: Umberta Boccionija. Počevši kao slikar, Boccioni se okrenuo radu u tri dimenzije nakon putovanja u Pariz 1913. tijekom kojeg je obišao ateljee nekoliko avangardnih kipara tog razdoblja, kao što su Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon i Alexander Archipenko. Boccioni je sintetizirao njihove ideje u ovo dinamično remek-djelo, koje prikazuje koračajuću figuru postavljenu u "sintetičkom kontinuitetu" kretanja kako ju je Boccioni opisao. Djelo je izvorno izrađeno u gipsu i nije izliveno u svojoj poznatoj brončanoj verziji sve do 1931., znatno nakon umjetnikove smrti 1916. kao pripadnika talijanske topničke pukovnije tijekom Prvog svjetskog rata.

Fotografija: ljubaznošću CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Rođen u Rumunjskoj, Brancusi je bio jedan od najvažnijih kipara modernizma s početka 20. stoljeća — i doista, jedna od najvažnijih figura u cjelokupnoj povijesti kiparstva. Neka vrsta proto-minimalista, Brancusi je uzeo oblike iz prirode i usmjerio ih u apstraktne prikaze. Njegov stil bio je pod utjecajem narodne umjetnosti njegove domovine, koja je često sadržavala živopisne geometrijske uzorke i stilizirane motive. Također nije pravio razliku između objekta i baze, tretirajući ih, u određenim slučajevima, kao međusobno zamjenjive komponente - pristup koji je predstavljao ključni raskid s kiparskom tradicijom. Ovo ikonično djelo je portret njegovog modela i ljubavnice, Margit Pogány, mađarske studentice umjetnosti koju je upoznao u Parizu 1910. Prva iteracija bila je isklesana u mramoru, nakon čega je uslijedila gipsana kopija od koje je napravljena ova bronca. Sam gips bio je izložen u New Yorku na legendarnom Armory Showu 1913., gdje su ga kritičari ismijavali i hvalili ga. Ali to je također bio komad koji se najviše reproducirao u emisiji. Brancusi je radio na raznim verzijamaMlle Poganynekih 20 godina.

Fotografija: ljubaznošću Muzeja moderne umjetnosti

Kotač biciklasmatra se prvim Duchampovim revolucionarnim readymadeom. Međutim, kada je djelo dovršio u svom pariškom ateljeu, zapravo nije imao pojma kako ga nazvati. “Došla mi je sretna ideja da pričvrstim kotač bicikla za kuhinjski stolac i gledam kako se okreće”, kasnije će reći Duchamp. Bilo je potrebno putovanje u New York 1915. i izlaganje golemoj gradskoj proizvodnji tvornički izrađene robe da bi Duchamp došao do izraza readymade. Što je još važnije, počeo je uviđati da se stvaranje umjetnosti na tradicionalan, ručno izrađen način čini besmislenim u industrijskom dobu. Zašto se truditi, rekao je, kada široko dostupni proizvodi mogu obaviti posao. Za Duchampa je ideja iza umjetničkog djela bila važnija od načina na koji je napravljeno. Ovaj bi pojam - možda prvi pravi primjer konceptualne umjetnosti - potpuno transformirao povijest umjetnosti u budućnosti. Slično kao običan kućanski predmet, međutim, originalKotač biciklanije preživio: Ova je verzija zapravo replika koja datira iz 1951.

Fotografija: Muzej američke umjetnosti Whitney, © 2019 Calder Foundation, New York/Društvo za prava umjetnika (ARS), New York

Omiljeni predmet stalne zbirke muzeja Whitney,Calderov cirkusdestilira razigranu bit koju je Alexander Calder (1898. – 1976.) iznio kao umjetnik koji je pomogao u oblikovanju skulpture 20. stoljeća.Cirkus, koja je nastala tijekom umjetnikovog vremena u Parizu, bila je manje apstraktna od njegovih visećih "mobila", ali na svoj način, bila je jednako kinetička: prvenstveno izrađena od žice i drva,Cirkusslužio je kao središnji dio za improvizacijske izvedbe, u kojima se Calder kretao oko raznih figura koje su prikazivale krivotvorce, gutače mačeva, krotitelje lavova itd., poput božanskog kolovođe.

Fotografija: ljubaznošću muzeja J. Paul Getty

Kao slikar i dizajner tapiserija, kao i kipar, francuski umjetnik Aristide Maillol (1861. – 1944.) mogao bi se najbolje opisati kao moderni neoklasicist koji je tradicionalnim grčko-rimskim kipovima stavio aerodinamični okret 20. stoljeća. Mogao bi ga se opisati i kao radikalnog konzervativca, iako treba imati na umu da su čak i avangardni suvremenici poput Picassa nakon Prvog svjetskog rata stvarali djela u prilagodbi neoklasicističkog stila. Maillolova tema bila je ženski akt, a uL'Air, stvorio je kontrast između materijalne mase svog subjekta i načina na koji ona izgleda kao da lebdi u svemiru – balansirajući, takoreći, tvrdokornu tjelesnost s prolaznom prisutnošću.

Fotografija: ljubaznošću CC/Flickr/C-Monster

Japanska umjetnica koja radi u više medija, Kusama je došla u New York 1957. vrativši se u Japan 1972. U međuvremenu se etablirala kao glavna figura scene u središtu grada, čija je umjetnost dotakla mnoge osnove, uključujući pop-art, minimalizam i Performance Art. Kao umjetnica koja se često pozivala na žensku seksualnost, bila je i preteča feminističke umjetnosti. Kusamin rad često karakteriziraju halucinogeni obrasci i ponavljanja oblika, sklonost ukorijenjena u određenim psihološkim stanjima - halucinacije, OKP - od kojih je patila od djetinjstva. Svi ovi aspekti Kusumine umjetnosti i života odražavaju se u ovom djelu, u kojem je obična, tapecirana fotelja uznemirujuće prekrivena izbijanjem falusnih izbočina od šivane punjene tkanine nalik na kugu.

Fotografija: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Poznata samo po svom imenu, Marisol Escobar (1930. – 2016.) rođena je u Parizu od roditelja iz Venezuele. Kao umjetnica povezivala se s pop-artom, a kasnije i s op-artom, iako stilski nije pripadala niti jednoj skupini. Umjesto toga, stvorila je figurativne tablice koje su bile zamišljene kao feminističke satire o rodnim ulogama, slavnim osobama i bogatstvu. UŽene i Pasona preuzima objektivizaciju žena i način na koji se koriste standardi ženstvenosti koje nameću muškarci kako bi ih se prisililo da se prilagode.

Fotografija: ljubaznošću CC/Flickr/Rocor

Kutija Brillo je možda najpoznatija u nizu skulpturalnih radova koje je Warhol stvorio sredinom 60-ih, a koja su njegovo istraživanje pop kulture učinkovito prevela u tri dimenzije. Vjeran nazivu koji je Warhol dao svom studiju - Tvornica - umjetnik je unajmio stolare da rade na nekoj vrsti pokretne trake, spajajući drvene kutije u obliku kartona za razne proizvode, uključujući Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes i Campbell's Soup, kao dobro Brillo jastučići za sapun. Zatim je obojio svaku kutiju u boju koja odgovara originalu (bijela u slučaju Brillo) prije dodavanja naziva proizvoda i logotipa na sitotisku. Stvorene u više komada, kutije su često prikazivane u velikim hrpama, učinkovito pretvarajući galeriju u kojoj su se nalazile u visokokulturni faksimil skladišta. Njihov oblik i serijska proizvodnja možda su naklon ili parodija minimalističkom stilu koji je tada bio u povoju. Ali prava poantaKutija Brilloje način na koji njegovo blisko približavanje stvarnoj stvari podriva umjetničke konvencije, implicirajući da ne postoji stvarna razlika između proizvedene robe i rada iz umjetničkog studija.

Fotografija: ljubaznošću CC/Flickr/Esther Westerveld

Ime Donalda Judda sinonim je za Minimal Art, pokret iz sredine 60-ih koji je destilirao racionalistički napon modernizma do najosnovnijih stvari. Za Judda je skulptura značila artikuliranje konkretne prisutnosti djela u prostoru. Ova je ideja opisana izrazom "specifičan predmet", i dok su je drugi minimalisti prihvatili, Judd je nedvojbeno dao ideji njezin najčišći izraz prihvativši kutiju kao svoj prepoznatljiv oblik. Poput Warhola, proizvodio ih je kao jedinice koje se ponavljaju, koristeći materijale i metode posuđene iz industrijske proizvodnje. Za razliku od Warholovih limenki juhe i Marilyns, Juddova se umjetnost nije odnosila ni na što izvan sebe. Njegove "hrpe" među njegovim su najpoznatijim djelima. Svaka se sastoji od skupine identičnih plitkih kutija od pocinčanog lima, koje strše iz zida kako bi stvorile stupac ravnomjerno raspoređenih elemenata. Ali Judd, koji je započeo kao slikar, bio je jednako zainteresiran za boju i teksturu kao i za oblik, što se ovdje vidi po zeleno obojenom laku za karoseriju automobila nanesenom na prednju stranu svake kutije. Juddova međuigra boja i materijala dajeBez naslova (skup)probirljiva elegancija koja ublažava njegov apstraktni apsolutizam.

Fotografija: ljubaznošću CC/Flickr/Rocor

Poput Benglis, Hesse je bila umjetnica koja je postminimalizam filtrirala kroz nedvojbeno feminističku prizmu. Židovka koja je kao dijete pobjegla iz nacističke Njemačke, istraživala je organske oblike, stvarajući komade od industrijskog stakloplastike, lateksa i konopa koji su evocirali kožu ili meso, genitalije i druge dijelove tijela. S obzirom na njezinu pozadinu, primamljivo je pronaći prikrivenu struju traume ili tjeskobe u djelima poput ovog.

Fotografija: ljubaznošću Muzeja moderne umjetnosti

Nakon Judda i Flavina, skupina umjetnika odstupila je od minimalističke estetike čistih linija. Kao dio ove postminimalističke generacije, Richard Serra stavio je koncept specifičnog objekta na steroide, uvelike povećavajući njegovu ljestvicu i težinu, čineći zakone gravitacije sastavnim dijelom ideje. Stvorio je nesigurna balansiranja od čeličnih ili olovnih ploča i cijevi teških u tonama, što je imalo učinak davanja osjećaja prijetnje djelu. (U dva navrata monteraši koji su ugrađivali Serra dijelove poginuli su ili osakaćeni kada se rad slučajno srušio.) Posljednjih desetljeća, Serrin rad usvojio je krivuljastu profinjenost koja ga je učinila iznimno popularnim, ali u početku, radovi poput One Ton Prop (House of Cards), koji sadrži četiri olovne ploče naslonjene jedna na drugu, izrazio je svoju zabrinutost brutalnom izravnošću.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Slijedeći opći kontrakulturni trend tijekom 1960-ih i 1970-ih, umjetnici su se počeli buniti protiv komercijalizma galerijskog svijeta, razvijajući radikalno nove umjetničke forme poput zemljanih radova. Također poznat kao land art, vodeća figura žanra bio je Robert Smithson (1938. – 1973.), koji je, zajedno s umjetnicima kao što su Michael Heizer, Walter De Maria i James Turrel, krenuo u pustinje zapadnih Sjedinjenih Država kako bi stvorio monumentalna djela koja djelovali u dogovoru s okolinom. Ovaj pristup specifičan za lokaciju, kako je postao nazvan, često je koristio materijale preuzete izravno iz krajolika. Takav je slučaj sa SmithsonovimSpiralni mol, koji strši u Veliko slano jezero u Utahu od Rozel Pointa na sjeveroistočnoj obali jezera. Napravljen od blata, kristala soli i bazalta izvađenog na licu mjesta,Spiral Jetty mjere1500 sa 15 stopa. Desetljećima je bio potopljen pod jezerom sve dok ga suša početkom 2000-ih nije ponovno izvukla na površinu. U 2017.Spiralni molproglašen je službenim umjetničkim djelom Utaha.

Fotografija: ljubaznošću CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Djelo s potpisom umjetnika rođenog u Francuskoj,Pauknastala je sredinom 1990-ih kada je Bourgeois (1911.-2010.) već bila u osamdesetima. Postoji u brojnim verzijama različitih razmjera, uključujući neke monumentalne.Paukje zamišljen kao posveta umjetnikovoj majci, restauratorici tapiserija (odatle aluzija na sklonost paučnjaka da plete mrežu).

Shutterstock

Dobitnik prestižne nagrade Turner 1994., Antony Gormley jedan je od najslavnijih suvremenih kipara u Ujedinjenom Kraljevstvu, ali također je poznat diljem svijeta po svom jedinstvenom pogledu na figurativnu umjetnost, onu na kojoj se temelje široke varijacije u mjerilu i stilu, najvećim dijelom na istom predlošku: Odljev vlastitog tijela umjetnika. To vrijedi i za ovaj golemi spomenik s krilima koji se nalazi u blizini grada Gatesheada u sjeveroistočnoj Engleskoj. Smješten uz glavnu autocestu,Anđeopenje se do 66 stopa u visinu i proteže se 177 stopa u širinu od vrha do vrha krila. Prema Gormleyju, djelo je zamišljeno kao svojevrsni simbolički biljeg između britanske industrijske prošlosti (skulptura se nalazi u engleskoj zemlji ugljena, srcu industrijske revolucije) i njezine postindustrijske budućnosti.

Ljubaznošću CC/Flickr/Richard Howe

Stanovnici Čikaga ga od milja zovu "Grah" zbog njegovog savijenog elipsoidnog oblika,Vrata oblaka, središnji dio javne umjetnosti Anisha Kapoora za drugi gradski Millennium Park, istodobno je umjetničko djelo i arhitektura, pružajući luk spreman za Instagram za nedjeljne šetače i druge posjetitelje parka. Izrađen od zrcalnog čelika,Vrata oblaka's fun-house refleksivnost i velika veličina čine ga Kapoorovim najpoznatijim djelom.

Ljubaznošću umjetnika i Greene Naftali, New York

Djelo Rachel Harrison kombinira besprijekoran formalizam sa vještinom da naizgled apstraktne elemente prožme višestrukim značenjima, uključujući politička. Ona žestoko propituje monumentalnost i muški prerogativ koji ide s njom. Harrison stvara većinu svojih skulptura slaganjem i raspoređivanjem blokova ili ploča od stiropora, prije nego što ih prekrije kombinacijom cementa i slikarskih ukrasa. Trešnja na vrhu je neka vrsta pronađenog predmeta, samostalno ili u kombinaciji s drugima. Glavni primjer je ovaj maneken na vrhu izdužene forme poprskane bojom. Noseći ogrtač i masku Abrahama Lincolna okrenutu unatrag, djelo prikazuje teoriju povijesti velikog čovjeka evocirajući osvajača drevnog svijeta koji uspravno stoji na stijeni u boji klauna.